削色

Longlati经纬艺术中心荣幸宣布将于2026年4月2日呈现十四位艺术家的群展“削色”。标题“削色”指向一种对色彩关系的重新校准。在许多艺术实践中，颜色并不是通过不断增加而获得力量，而是通过限制、调整与修正逐渐显现结构。在这里，“削”意味着一种视觉判断的过程：颜色在对比与排列中获得新的关系。借由展览，我们试图追问：艺术家如何使用颜色？如何建立色彩关系？色彩关系又如何形成一种可以被信任的形式结构？展览展出的艺术家包括有：玛丽娜·亚当斯（Marina Adams）、约瑟夫·阿尔伯斯（Josef Albers）、卡罗尔·波维（Carol Bove）、杰弗里·吉布森（Jeffrey Gibson）、王光乐、慕华、鲁钰、玛丽娜·佩雷斯·西芒（Marina Perez Simão）、琼·斯奈德（Joan Snyder）、苏予昕、莎拉·施（Sarah Sze）、罗斯玛丽·特罗克尔（Rosemarie Trockel）、阿德里安娜·瓦莱乔（Adriana Varejão）、斯坦利·惠特尼（Stanley Whitney）。

 

群展“削色”旨在将色彩置于一种需要被再次思考的位置。色彩，始终是视觉经验中最直接、也最复杂的因素之一。它塑造观看的节奏，空间的层次，画面的温度，也参与构成人们对于感知与想象的判断。色彩存在于绘画、设计、建筑、消费品、屏幕图像与工业生产之中，它业已成为一种被高度凝练、广泛流通且直接诉诸于视网膜的艺术语言。正因如此，色彩自然占据了艺术实践的核心位置之一，也应当被视作艺术家工作的基本素养。

 

展览关注的核心，是色彩的伦理问题。在这里，伦理指向的是一种形式中的责任。色彩，总是在关系中显现。一个颜色因另一个颜色的出现而发生变化——就如同一个人和另一个人的触碰——因边界、面积、材质与光线而获得份量。它是艺术最深层的结构之一，决定了何处被强调、压低、拉近或推远。人们会认同，“好”的色彩关系具有清晰的内部秩序，也具备开放的感知空间，它能令画面在万千主题的变化中起到一种被信任的平衡作用。

 

色彩的现代历史，一直在科学、哲学与艺术教育之间展开。牛顿在《光学》（Opticks，1704年）中通过棱镜实验将白光分解为连续光谱，并将颜色与不同的折射性质联系起来，由此奠定了现代色彩科学的基础。在此，色彩首先是一种可被分析的物理现象。歌德的《色彩论》（Theory of Colours, 1810年）将重心转向观看本身，强调明暗关系、视觉边界、余像和主观经验在色彩生成中的作用。色彩因而获得了知觉与心理的维度。在维特根斯坦那里，色彩问题被转化为了一种关于语言与判断的哲学问题。在《论颜色》（Remarks on Colour，1950年）中，他试图澄清色彩概念的逻辑，澄清我们如何“说”颜色、如何“排列”颜色，以及为何某些颜色关系构成了日常判断中最基本的秩序。

 

 

在现代艺术教育的脉络当中，色彩从再现训练中的辅助因素发展为了现代视觉教育的基础课程。自包豪斯开始，艺术家约翰内斯·伊顿（Johannes Itten）、约瑟夫·阿尔伯斯与康定斯基（Wassily Kandinsky）等人对色彩的系统化的教学设计在其中起到了决定性的作用。其中，约瑟夫·阿尔伯斯作为连接新旧大陆的桥梁，令色彩理论成为了可被操作检验的关系系统。在阿尔伯斯这里，颜色始终通过相互作用而显现，色彩知觉的生成依赖邻近关系与尺幅对比的具体条件。色彩因而获得了方法论的意义：它所训练并非简单的配色趣味，而是对于形式的整体判断。阿尔伯斯的《色彩构成》（Interaction of Color，1963）一书是艺术教育的关键节点。从德国包豪斯到黑山学院、再到耶鲁大学，作为艺术教育家的阿尔伯斯滋养了一代又一代艺术家，其开启的“色彩关系实验”在战后及当代艺术中形成了深远回响。

 

“削色”中的色彩是一个复数性的概念，它展现了14位艺术家如何将色彩转化为一种纯粹的构成性力量。约瑟夫·阿尔伯斯将颜色置于最严格的几何框架中，让色块在互补与对照中彼此定义，在最简练的结构中呈现出最大的关系张力。斯坦利·惠特尼则把这种关系从几何推向节奏，他的网格像爵士乐分句，令色彩跳跃如舞步。在玛丽娜·亚当斯的作品中，色彩如同咸淡水域的汇流，往复牵引，呈现出如梦的空间。卡罗尔· 波维则以阿尔伯斯式的方式颠覆重力，令颜色成为提升物质的灵魂。鲁钰的场域特定作品讨论色彩与污浊物在不透明性中的异质变化。慕华的作品以具象方式回应欧普艺术的遗产，她极简地使用基础原色，在点、线、面中流露克制的情绪。

 

此外，色彩也同时间一道工作：王光乐的作品通过堆叠与打磨，让单色在反复覆盖中显露出近乎微观的地质性分差。琼·斯奈德让颜料分离、凝固、结块甚至近乎彼此争斗，使色彩成为情绪与身体反应的物性外显。玛丽娜·佩雷斯·西芒的作品则让颜色像自然物一般在沉积、结晶、生成与消弱中成为山海的历史。而在另一些作品中，色彩回到了古老的自然母体之中：苏予昕直接从矿物、土壤与手工颜料出发，显示出地貌、技艺和科学图示的多重身份；通过裂釉、赭石与原住民色谱，阿德里安娜·瓦莱乔把色彩当作殖民历史和文化杂交的证物。而在罗斯玛丽·特罗克尔、杰弗里·吉布森与莎拉·施那里，色彩则是工业与当代环境的寓言。特罗克尔的作品所操弄的是编码与手工之间的辩证法，画面冷峻中暗伏着色彩与线的躁动。吉布森的迷幻色彩激发感官的颤抖，对称构图在色彩的煽动中如若不夜之城。莎拉·施的作品是数码时代的《溪山行旅图》，屏幕般的冷光、结点中的对象物与可移动的视点共同指出：如今，颜色已非静止的属性，而是当代流动界面的一部分。

 

“削色”显露色彩诸多面相的一隅，其所唤起的问题是色彩如何获得一种可被追问的结构，并强调色彩在艺术实践中的伦理要求：颜色的来由、层级与其合法性。群展“削色”旨在展示艺术家在形式中运用色彩的道德。

 

关于策展人

 

 

夏天，哲学博士、策展人、写作者，现任教于东华大学。其研究与实践横跨策展、写作与教学，长期关注艺术与设计的观念史，以及中国当代艺术在生产、传播与展示过程中的机制、条件及其历史脉络。

 

 

 

鲁钰，1997年出生于四川成都，现创作与生活于上海，2019年毕业于普瑞特学院 Pratt Institute。

鲁钰的作品以流行病学者研究慢性疾病的方式剖析社会文化症结，思考这些症结在个体和人群间的传播方式、发病原因、症状表现、并发症和潜在的治疗方式。通过艺术手段和综合材料的运用，鲁钰将抽象的“病征”转化为可感的具象化视觉表达，使隐匿且普遍存在着的社会文化症结以无处遁形的方式被看见。